Tiempo hoy en el BLOG para una banda inglesa que a mi entender ha sido en cierto modo injustamente olvidada, al menos en nuestro país. No voy a decir que los STRANGLERS sean un grupo emblemático a la hora de entender la música popular del Siglo XX, pero de su autoría sí que son algunos de los temas más memorables en una de las etapas más interesantes de la música británica, los maravillosos Años 80.
Aunque con la escucha del disco que hoy os traigo no lo parezca, el sonido de THE STRANGLERS es absolutamente paradigmático cuando se trata de rememorar la escena Punk del Londres de mediados de los 70.
Surgieron en la villa de Guilford en 1974, adoptando inicialmente el nombre de "The Guilford Stranglers" que reducen un año después cuando llegan a Londres y comienzan a beber de las fuentes del Punk emergente, al que abrazaron con fruición antes del estallido que luego abanderarían los SEX PISTOLS y los CLASH. Destacaron como teloneros de ilustres como los RAMONES o PATTI SMITH (que no es poca cosa) y entre los años 1977 y 1979 despachan cuatro discos muy solventes.
Pero poco a poco su sonido inicial "garajero" y algo suciete, aunque tamizado por unos teclados muy al "estilo DOORS" de los chicos de Jim Morrison, comienza a absorber algunas de las influencias estilísticas predominantes en la Europa de aquel entonces con el uso de baterías electrónicas y guitarras acústicas. Y se produce así una cierta mutación o evolución, supongo que debida también al hecho de poseer mucho mayor talento instrumental que sus coetáneos, transitando del punk a terrenos pop-rockeros, New Wave e incluso de matices Art-Rock o góticos. En cualquier caso, aunque los "puristas" sentenciarán lo contrario, alcanzan bajo mi punto de vista altas cotas de lirismo y sonido preciosista, con trabajos antológicos y de construcción impecable como fueron "La Folie" en 1981, "Feline" en 1983 o "Aural Sculpture" un año después.
El disco que aquí podéis escuchar no aparecía así en su publicación original, ya que no incluía el memorable "Golden Brown" (auténtico himno ochentero) que formaba ya parte del track list de su trabajo anterior "La folie". Esta es una posterior edición americana, pero creo que merece la pena por el poso que dejó esta composición y por lo bien que ha envejecido con el paso de los años.
Que ustedes lo pasen bien.
LISTA DE TEMAS.-
01.- Midnight summer dream.
02.- It's a small world.
03.- Ships that pass in the night.
04.- The European Female.
05.- Golden Brown.
06.- Let's Tango in Paris.
07.- Paradise.
08.- All roads lead to Rome.
09.- Blue Sister.
10.- Never say goodbye.
Ahora que parece acabar por fin este dichoso 2012 rara es la web especializada o el programa de música que no se lanza a pregonar a los cuatro vientos su lista de "lo mejor del año". No es mi idea aunque si lo hago, que lo dudo, será en forma de recopilatorio para que lo podáis escuchar en este BLOG cuando os apetezca.
Pero a lo que no puedo resistirme es a compartir con vosotros el que para mi es uno de los trabajos más brillantes del año, en lo que al Pop-Rock patrio se refiere. Y viene de la mano de LOS MADISON, una banda madrileña que se formó en 2003 y que desde entonces se ha curtido en el circuito de pequeños locales y garitos madrileños.
Este que podéis escuchar es su tercer disco, pero vinieron al mundo musicalmente hablando con una ópera prima ("Días de vértigo", 2007) producida por José Nortes, artesano habitual de los discos del reputadísimo Quique González que de LOS MADISON dijo ... "son una banda que está más cerca de los clásicos que de las nuevas
tendencias. Se mueven entre la épica de Bruce y el romanticismo de
Secretos" ..... Sólo por semejante apunte, ya merece la pena deleitarse con las 12 piezas que componen este disco que hoy os acerco.
A su primer trabajo siguió en 2012 "Vendaval", tal vez menos arriesgado que el anterior con una primera parte muy en plan "medios tiempos" y una segunda mitad rebosante de guitarrerío afilado y detalles "brucespringsteenianos" que nos ponen muy en contacto con los tiempos que corren y con esos sabores agridulces con los que muchos días nos vamos a la cama.
Y en 2012 nos regalan 12 canciones de Pop-Rock clásico, edificadas sobre un terreno abonado por las mejores esencias del Rock americano, en las que se acompañan de ilustres como Miguel Ríos, Ramón Arroyo (guitarra de LOS SECRETOS) o Julián Maeso (ex-SUNDAY DRIVERS). Con un desgarrador dominio de las melodías, una voz notable para letras de las que enganchan y sirven de bálsamo al alma cuando los días vienen nublados y unos estribillos de esos que van de tu mano por el pasillo de casa durante días y días.
De verdad, hacedme caso y echar un ratito de pausa para deleitaros con joyitas imperecederas como "Entre tú y yo", "Blanco fácil" o "Ropa nueva". Ya me lo agradeceréis, ya .......
LISTA DE TEMAS.-
01.- Compás de espera.
02.- Lo que queda.
03.- Juego sucio.
04.- Entre tú y yo.
05.- Jamás.
06.- Blanco fácil.
07.- Ropa nueva.
08.- Skyline.
09.- Dividido.
10.- Casi siempre.
11.- Sígueme despacio.
12.- Me estoy vendiendo mal.
Los que habéis tenido la desgracia de aguantar algunas de mis charletas sobre música sabéis que los primeros discos que escuché pertenecían fundamentalmente a bandas extranjeras de producción musical fechada a finales de los años 60 y durante la década de los 70. Un gazpacho musical de atribulados sonidos psicodélicos, pero también de rock sinfónico y progresivo, de desvaríos glam, de folk y de blues-rock. De genios tocados por una varita mágica y celestial como Hendrix o Santana, Bowie o Marc Bolan. De grupos como Pink Floyd,Aprhodite's Child, los Beatles, los Rolling o los Byrds. O como Jethro Tull, Supertramp, los Doors, Cream, Grateful Dead, Jefferson Airplane, Yardbirds ... Para comenzar, yo creo que no estuvo nada mal la experiencia.
Pero si hubo un disco que me impresionó por encima de casi todos fue el "In-A-Gadda-Da-Vida" que podéis escuchar en este post, publicado en 1968 por los americanos IRON BUTTERFLY. Y creo que fue sobre todo al encontrarme de bruces con el temazo del mismo título, que ocupaba por completo la cara B del vinilo, porque por algo su duración era de más de 17 minutos. Un "clasicazo" de este grupo que por aquellos años contribuyó a endurecer las estructuras de la psicodelia americana, ensamblando en muchas ocasiones sus letras y sus músicas bajo la influencia de las drogas lisérgicas. Una canción eterna en el tiempo que se sujeta en un memorable riff de guitarra y bajo, sostenido prácticamente en sus 17 minutos, pero sobre todo en el alucinante solo de su batería Ron Bushy. Uno de los primeros solos en una grabación de rock y a buen seguro, uno de los más famosos y célebres.
Supongo que muchos no estaréis de acuerdo con esta afirmación pero, bajo mi punto de vista, los IRON BUTTERFLY son claros precursores de los sonidos posteriores del "hard-rock" y del heavy metal y grupos como DEEP PURPLE o LED ZEPPELIN le deben mucho de su sonido a grabaciones como esta.
Y para terminar, una curiosidad con respecto al título de la canción. En un principio el tema se iba a titular "In the garden of Eden" (En el jardín del Edén), pero cuenta la leyenda que durante las jornadas de grabación y ensayo Doug Ingle (la voz solista) iba tan "colocado" que no atinaba a pronunciar la frase, transformándola finalmente en esta especie de trabalenguas que dio título tanto al tema como al disco.
LISTA DE TEMAS.
01.- Most anything you want. 02.- Flowers and beads. 03.- My Mirage. 04.- Termination. 05.- Are you happy. 06.- In-A-Gadda-Da-Vida (versión extendida).
Creo que va siendo hora de recuperar para la causa algunas de las "recopilaciones" que en su momento preparé con la intención de acompañar a las tres canciones seleccionadas cada semana en la versión en radio de LAS PISTAS DEL DETECTIVE.
Para la edición número 62, que pudisteis escuchar en la semana que dio comienzo el 30 de enero de este año, escogí un estilo que me tuvo atrapado a finales de
los 70 y principios de los 80. Aquellos años en los que a los grupos se
les llamaba conjuntos. A los temas, canciones y a los discos LP's con
cara A y cara B. Años de jerséis de cuello vuelto, chaquetas ceñidas,
solapas y pantalones de campana. Años de toritos y bailaoras flamencas
sobre los aparatos de televisión.
El estilo del que os hablo es posiblemente uno de los
mayores legados musicales andaluces, junto con el flamenco y la copla
...... el ROCK ANDALUZ. Esa maravillosa fusión de las raíces de la
música popular andaluza, fundamentalmente con el rock progresivo que por
esos días nos llegaba a través de las emisoras de radio de las bases
militares de Morón y Rota.
Estas fueron entonces las letras que acompañaban a las tres PISTAS seleccionadas:
1.- TRIANA "Tu frialdad" (1980)
Supongo que lo mejor es comenzar con un
grupo que hizo historia. Un trío sevillano que grabó su primer single
allá por 1974 con un sonido revolucionario para la época, aunque de
inicio fue totalmente incomprendido en los despachos de las
discográficas. TRIANA, el grupo formado por un genial Jesús de la Rosa
que ensambló a la perfección los teclados inconfundiblemente progresivos
con su voz andaluza hasta la médula, por Eduardo Rodriguez Rodway a la
guitarra y Juan José Palacios a la batería.
No me enrollo más y os dejo con este "Tu frialdad",
ejemplo de su música sin estereotipos, con el que en 1980 rompieron la
linea comercial de los superventas españoles de entonces.
2.- ALAMEDA "Noche andaluza" (1983)
Segunda PISTA de esta semana dedicada al Rock Andaluz.
Hoy os traigo a la banda que quizá fue considerada
como la cara más comercial de este estilo musical, ALAMEDA, a los que
podríamos fechar en una segunda fase del Rock Andaluz al editar su
primer trabajo en 1979, cuatro años después de TRIANA. En mi opinión se
puede considerar a su formación como un "supergrupo", ya que todos sus
componentes habían pertenecido desde mucho antes a otros
grupos "promotores de este género", lo que en definitiva supuso que
ALAMEDA brillase con luz propia.
A pesar de estar a la sombra de Triana, siempre
tuvieron un estilo que les distinguía, un toque flamenco más arraigado y
unas guitarras menos distorsionadas junto a los teclados de aires
realmente progresivos.
Tras su primer y excelente disco de 1979, cuya
escucha os recomiendo, publicaron dos trabajos en los que se echaban en
falta temas con el gancho que tenían los anteriores, tal vez por un
exceso de prisas en su preparación. Así hasta que en 1983 publicaron,
tras dos años sin pisar los estudios de grabación, el disco "Noche
andaluza" en el que fruto de su evolución artística adaptaban textos del
premio Nobel Juan Ramón Jiménez. Ocurrió así con todas las canciones
salvo precisamente con la que os envío hoy, "Noche andaluza", con la que
adaptaban un fragmento de "Goyescas", del compositor clásico Enrique
Granados y que se convirtió en el trabajo más recordado de ALAMEDA y de
más éxito comercial.
Con él os dejo.
3.- MEDINA AZAHARA "Paseando por la mezquita" (1979)
Esta canción, que estaba incluida en el primer disco de
MEDINA AZAHARA y se titula "Paseando por la mezquita", surgió desde la
Córdoba natal del grupo y se fue extendiendo por todo el país
convirtiéndose en un himno del sentir andaluz. MEDINA AZAHARA tenían algo que les hacía distintos al
resto de grupos integrados en la corriente del Rock Andaluz, les
gustaba el rock duro. Así como TRIANA o ALAMEDA desprendían aires más
sinfónicos, con ambientes densos a lo PINK FLOYD, la banda cordobesa
estaba más en deuda con el lado duro a lo GÉNESIS, LED ZEPPELIN o DEEP
PURPLE.
En 1979 consiguieron publicar su primer disco,
haciendo suya la máxima de no considerar sus raíces como algo denostado,
sino como una fuente inagotable de inspiración. Se abandonaba la idea
de copiar todo aquello que venía desde más allá de nuestras fronteras
para confeccionar, artesanalmente, un estilo propio.
El éxito fue instantáneo y este grupo de amigos se
vio obligado a asumir una carrera profesional que en solo un año les
llevó a recorrer dos veces la Península.
Os invito a que esta noche os dejéis embrujar con este paseo nocturno por la mezquita.
Aquella semana de PISTAS estuvo dedicada a uno de los tipos más entrañables que he conocido gracias a esAmor,
que surcaba cada noche con sutileza y en su velero el muro del
programa en Facebook. Que vive en una de las tierras que más quiero por
lo que tiene para mi de bálsamo, Cádiz. Así que retomo la dedicatoria y este "post" en el BLOG va también para ti, Manu Conesa.
Los que me seguís a través de las ondas en la versión radiofónica de este BLOG, en el programa esAmor de la cadena esRadio, supongo que escucharíais anoche en la voz de Ayanta Barilli que he tenido que poner un punto y aparte a mi colaboración con ellos. Muy a mi pesar, os lo puedo asegurar, pero no me queda otra. Se trata sólo de un "pasito al lado" temporal y volveré en cuestión de meses, que no os quepa la menor duda.
Carlos Santana ha sido el artista con el que bajé el telón a la Sección la semana pasada. Y teniendo en cuenta el éxito logrado con su presencia, bien merece la pena adornar el BLOG con uno de sus trabajos.
Estas fueron las letras que acompañaron a las tres Pistas que escogí para la ocasión ....
"Seguramente muchos de vosotros estaréis de acuerdo conmigo al situar a
Carlos Santana en el altar de los grandes guitarristas de siempre. No sé
si entre los cinco, los diez primeros pero a buen seguro que sí como el
mejor guitarrista latino en la historia del Rock. Hijo de un
violinista en una banda de mariachi en su México natal, curiosamente
comenzó a tocar este instrumento que abandonó por la guitarra a los ocho
añitos. En 1961 se trasladó con su familia a un San Francisco en el que
daba sus últimos coletazos la era psicodélica. El destino había puesto a
Carlos en el lugar adecuado, una ciudad crisol de influencias
culturales y de una escena musical excitante que hervía con el
movimiento hippy, donde pudo dar rienda suelta a esa nueva tendencia que
amasaba elementos de la tradición afro-cubana, del Rock' n' Roll o del
Blues americano sin desdeñar el Jazz o el Funk ....... el Rock Latino.
1.- SANTANA "Europa" (1976)
Aunque Carlos creó su banda en 1966, el punto de partida de su éxito masivo se puede situar en el famoso festival de Woodstock donde
todo el mundo pudo comprobar lo que Santana y su banda eran capaces de
hacer con esa genial fusión entre el rock y los ritmos afrocubanos y
latinos. Especialmente memorable fue la interpretación del tema "Soul
Sacrifice" en el que durante más de 11 minutos y medio se alternaban los
"solos" de un Santana bajo los efectos del LSD (como el mismo ha
reconocido posteriormente) con la que posiblemente sea la intervención
más impactante de un batería en la historia del Rock, de la mano de
Michael Shrieve. Os recomiendo que lo busquéis en Youtube. Tras
la publicación de su primer trabajo, también en 1969, se fueron
sucediendo varios más de forma regular con los que la banda cimentó su
éxito, hasta que en el año 1976 y dentro de su disco "Amigos" nos
encontramos con este "Europa" que vais a escuchar. Si la semana pasada
os hablaba de la habitual presencia de las "power ballads" cuando
sonaban las "lentas", ¡qué voy a deciros de esta maravilla!! Espero que la disfrutéis.
2.- SANTANA "Flor D'Luna" (1977)
A pesar de que dos de los tres primeros álbumes de la banda
habían llegado al número 1 en las listas americanas Carlos Santana
decidió en 1972 reinventar su estilo, añadiendo sonidos más
"jazzísticos". Se produce entonces un hecho fundamental en el posterior
desarrollo del grupo, que desgraciadamente ha pasado inadvertido durante
años para muchos lumbreras, cuando Carlos ofreció el puesto de teclista
al pianista americano de jazz Tom Coster, un auténtico virtuoso de
enorme versatilidad a la que unió su genial talento para componer. A
partir de ese momento se convirtió en el más estrecho colaborador de
Santana y fruto de este trabajo conjunto son algunos de los grandes
clásicos del grupo. Intervino de forma consecutiva en los discos
"Caravanserai", "Welcome", "Lotus", "Borboletta", "Amigos", "Festival" y
"Moonflower", siendo este último curiosamente el primer trabajo de
Santana que cayó en mis manos. Me llamó rápidamente la atención porque
era un disco doble que alternaba temas en directo con grabaciones de
estudio pero sobre todo por incluir delicias como la versión en vivo del
"Europa" que sonó ayer o este "Flor D'Luna", siendo en ambos casos
su autor el magnífico Tom Coster al que aludía anteriormente.
3.- SANTANA "I love you much too much" (1981)
El estilo de Carlos Santana con ese sonido tan cálido
y excitante, tan fresco y original, siempre estuvo sometido a una
evolución constante para adaptarse a las corrientes de cada época. Ya en
su primera etapa se produce una transformación gradual desde las raíces
Blues-Rock a los aires latinos que caracterizarían sus éxitos futuros y
ayer os hablaba de la poderosa influencia que sobre Carlos ejerció Tom
Coster, al incorporarse a la banda llevando bajo el brazo una catarata
de toques "jazzisticos" e integrar en un único viaje sonoro el
refinamiento del Jazz-Rock con los habituales ritmos latinos, calientes,
desenfrenados y torrenciales.
Pero cabe destacar también un segundo hecho
fundamental en la trayectoria musical de Carlos Santana, cuando decide
abrazar las enseñanzas del gurú indio Sri Chinmoy lo que le llegó a
obsesionar de tal manera que empapó su guitarra de aires esotéricos,
pariendo en ocasiones canciones a modo de bagatelas cuasi atmosféricas.
De ahí pasamos a un Santana dispuesto a pegar fuerte
en las discotecas neoyorquinas, un Santana casi Disco-Rock, hasta que en
1981 con el disco Zebop! (en el que se incluye la canción que vais a
escuchar) se produce una afortunada vuelta a los orígenes, a esa
guitarra que llora sus famosas notas largas que alcanzaban límites
inverosímiles en los que reside gran parte de la fascinación que se
siente por sus baladas.
¡¡Geniales!!
Sólo así se puede calificar a este grupo, auténticos Reyes del Synth-Pop cuyo trono han ocupado durante décadas, eso sí, en dura competencia con otras bandas excelsas como O.M.D., The Human League, Ultravox, Visage, Heaven 17, los maravillosos Soft Cell, Japan o la nipona Yellow Magic Orchestra, todos ellos alumnos aventajados y dignísimos herederos del "Krautrock" de sus maestros los Kraftwerk
Este que podéis escuchar es su álbum debut, el único con la presencia de ese geniecillo llamado Vince Clarke, germen del grupo a finales de los años 70 junto a Andy Fletcher (compañero de colegio con el que formó No Romance in China, muy influenciados por The Cure) y Martin Gore, que provenía de la banda The French Look. En 1980 Clarke, Fletcher y Gore formaron el grupo Composition of Sound de los que se puede encontrar por Internet alguna que otra grabación (cutre, todo hay que decirlo), a los que en ese mismo año se unió como vocalista Dave Gahan que fue reclutado para la causa después de que Clarke le escuchara interpretar en directo una versión del "Heroes" de David Bowie. Habían nacido los DEPECHE MODE, cuyos miembros dificilmente podrían imaginar por entonces que la historia de la música no sería ahora la misma sin ese su Pop-sintético tamizado a base de sintetizadores y cajas de ritmos que con la perspectiva que nos dan los años puede resultar algo primario, pero nunca menos delicioso.
Hay muchas teorías sobre los motivos por los que Vince Clarke abandonó el grupo tras la publicación del primer disco, siendo como era autor de casi todos los temas, salvo Tora! Tora! Tora! y Big Muff, firmados por Gore. Pero no os dejéis camelar porque lo único que realmente buscó Clarke con su salida fue seguir facturando un Synth-Pop comercial como el que de su mano y del vozarrón de Alison Moyet encumbró después a Yazoo y en menor medida a The Assembly o al "chochi-pop" de Erasure. Un estilo algo alejado de aquel con el que continuó el grupo cuando Martin Gore tomó las riendas en la composición de las canciones, tal vez más oscuro e intimista, pero que al fin y a la postre otorgó merecida celebridad para los restos a los DEPECHE.
Empapaos y disfrutad del disco y de todos y cada uno de sus himnos que siguen cobrando vigencia aún hoy en día.
LISTA DE TEMAS.
01.- New life.
02.- I sometimes wish I was dead.
03.- Puppets.
04.- Boys say go.
05.- Nodisco.
06.- What's your name?
07.- Photographic.
08.- Tora! Tora! Tora!
09.- Big Muff.
10.- Any second now.
11.- Just can't get enough.
12.- Dreaming of me.
Un disco esencial para entender la música pop española del pasado Siglo XX y de lo que llevamos de éste de la mano de un grupo de leyenda, auténticos pioneros en esencia y sonido de la corriente musical que se conoció como "Nueva Ola Madrileña" junto a gente como Nacha Pop, Mamá o Trastos ..... LOS SECRETOS, todo un clásico en nuestras vidas ..... al menos en la mía.
Aunque la banda ha cobrado reciente actualidad con la publicación el pasado 30 de octubre de una caja recopilatoria con toda su discografía de estudio, su historia se remonta al año 1978 cuando los tres hermanos Javier, Enrique y Álvaro Urquijo se unieron al batería José Enrique Cano (Canito) para formar TOS y grabar una serie de maquetas que anunciaban un estilo muy influenciado por auténticos artesanos del Country-Rock como los Byrds o Crosby, Stills, Nash & Young. Tenían toda la pinta de perpetuarse como un grupo de futuro, pero aquello se fue al traste con el fallecimiento de Canito en un accidente de tráfico la madrugada del 1 de enero de 1980. Esta fatalidad sirvió sin embargo para dar paso a un concierto homenaje en febrero, en la Escuela de Caminos de Madrid, que se convirtió en mítico con el paso de los años. Allí estuvieron entre otros Nacha Pop, Mamá, Alaska y los Pegamoides, los hermanos Urquijo (ya bajo el nombre de Los Secretos), Mario Tena y los Solitarios, Mermelada, Bólidos, etc., etc. El concierto fue todo un acontecimiento y sirvió como punto de arranque y puesta de largo a la Movida Madrileña, en su vertiente musical.
Los recién fundados SECRETOS, con Pedro A. Díaz como nuevo batería, comienzan a recibir ofertas de varias discográficas decantándose por Polydor, supongo que por ofrecerles cierta independencia artística. Publican en 1980 un primer EP de cuatro temas ("Déjame", Niño mimado", "Sobre un vidrio mojado" y "Loca por mi"), antesala del que fue en 1981 su primer larga duración titulado también "Los Secretos", aunque ha sido reeditado en varias ocasiones y a veces con el título "Ojos de perdida".
El disco incluía tres de los temas del EP (se excluía la maravillosa "Loca por mi") a los que se añaden un buen puñado de auténticos himnos de "power pop" delicioso, de guitarras de 12 cuerdas que serían después características en las composiciones de los Urquijo y de hermosas armonías vocales que han sabido crear atmósferas en las que la nostalgia y los sentimientos a flor de piel han sido bandera con las que muchos nos hemos arropado en ocasiones.
Una banda mítica que ha sido portada en blanco y negro de la banda sonora de más de una generación de jóvenes en este país.
LISTA DE TEMAS.
01.- Ojos de perdida.
02.- Qué puedo hacer yo.
03.- Me siento mejor.
04.- No supe qué decir.
05.- Me siento mejor.
06.- Niño mimado.
07.- Déjame.
08.- Fuertes emociones.
09.- Otra tarde.
10.- Se fue como llegó.
11.- No me digas nada.
12.- Sobre un vidrio mojado.
No deja de sorprenderme la cantidad de visitas que se reciben en el BLOG desde países de Latinoamérica. Salvo lógicamente España y Estados Unidos en cuarto lugar de un hipotético ranking, Argentina, México y Chile son los sitios desde los que hacéis "click" con más frecuencia para daros una vueltecita por ésta mi casa virtual.
Así que como dicen que "de bien nacidos es ser agradecidos" hoy os traigo a una de las cantautoras más destacadas de la escena indie/pop latina.
2010 fue el año, en los últimos tiempos, en que el pop independiente latino llegó de forma más amplia al público en España. Y desde luego si ha habido un país que ha sabido aportar productos y artistas de calidad notoria ese ha sido Chile, lo que no deja de llamarme la atención teniendo en cuenta que los chilenos han sido siempre más de poesía que de prosa y que se trata de un territorio con una industria discográfica más bien raquítica.
En mi opinión, una figura sobresale por encima del resto y esa no es otra que la de Javiera Mena, que con una brevísima producción musical (apenas ha facturado dos discos) ha colocado a Chile en el centro de las miradas más modernas, gracias a sus deliciosas melodías de pop electrónico.
El que podéis escuchar aquí fue su primer trabajo, "Esquemas juveniles", publicado en el año 2006 y que, a pesar de que su maqueta pasó años dando vueltas, allanó sin duda el camino a esa "pequeña revolución" de bandas chilenas de la que os hablaba antes. Grupos como Dënver, Caramelitus, Deplásticoverde o El Sueño de la Casa Propia y solistas como Camila Moreno o Tomäs Preuss le deben mucho a esta genial obra de pop atemporal repleta de himnos como el que da título al disco, como "Al siguiente nivel", "Como siempre soñé", "Cámara lenta" (sin duda mi favorita") o una curiosa versión del "Yo no te pido la Luna" que originalmente popularizara la cantante italiana Fiordaliso y posteriormente Daniela Romo.
Pop y electro-pop sencillos, sin pretensiones pero divertidos y reveladores de las influencias musicales de Javiera Mena, que sirvieron de lanzadera a una meteórica carrera a ambos lados del charco.
LISTA DE TEMAS.
01.- Al siguiente nivel.
02.- Esquemas juveniles.
03.- Como siempre soñé.
04.- Sol de invierno.
05.- Cámara lenta.
06.- Casan (no puedo bloquear lo que quiero dar).
07.- Cuando hablamos.
08.- Está en tus manos.
09.- Yo no te pido la Luna.
10.- Perlas.
Si tuviese que elaborar una lista de mis 10 grupos favoritos, el que os traigo bajo el brazo hoy ocuparía a buen seguro un lugar de privilegio en lo más alto.
De la trayectoria de FLEETWOOD MAC podría estar hablando horas y horas. Una historia que ya sobrepasa los 40 años y que ha estado expuesta a constantes cambios de formación y de estilo, pero con cada cambio el grupo ganaba en calidad, solidez y aplomo y el Credo de su legado musical incluye entre sus páginas algunas de las piezas más hermosas en la historia reciente del Pop.
Se pueden distinguir tres etapas/formaciones básicas en el desarrollo del grupo.
Una primera que coincide con la aparición de la banda en 1967 a raíz de la unión de Peter Green, del batería Mick Fleetwood y del bajista John McVie, quienes habían dejado los “Bluesbreakers” de John Mayall, arrastrados por la ola del éxito de grupos como los Cream o los Yardbirds. En mi opinión su trabajo más interesante en esta etapa fue "Then Play On" (1969), que marcó tendencia en lo que a Blues-Rock Progresivo se refiere.
La segunda etapa coincide con la salida de Green en 1970, cuando su estado mental comenzaba a "flaquear" a causa del consumo excesivo de alucinógenos, dando paso en el grupo a Christine Perfect (luego Christine McVie tras su matrimonio con John). Estos cambios suponen un bandazo hacia una música tal vez más sencilla y cercana a los gustos populares, que se cristalizó en dos auténticos clásicos del Pop como "Future Games" (1971) y "Bare Trees" del 72.
Y la tercera y definitiva etapa en 1975, cuando se alistan en la banda Lindsey Buckingham y la deliciosa Stevie Nicks. Ambos, que además eran pareja sentimental, aportan a FLEETWOOD MAC un talento que no tenía. Los dos como artesanos compositores capaces de facturar canciones muy comerciales sin que dejaran de sonar innovadoras y Stevie con esa voz cascada y sensual, con su apariencia medio hippie que me enamoró para siempre.
Os dejo con uno de sus recopilatorios de Grandes Éxitos para que podáis empaparos hasta las trancas en un amplio recorrido por su maravilloso legado.
LISTA DE TEMAS.
01.- Go your own way.
02.- Don't stop.
03.- Dreams.
04.- Little lies.
05.- Everywhere.
06.- Albatross.
07.- You make loving you.
08.- Rhiannon.
09.- Black Magic Woman.
10.- Tusk.
11.- Say you love me.
12.- Man of the world.
13.- Seven wonders.
14.- Family man.
15.- Sara.
16.- Monday morning.
17.- Gypsy.
18.- Over my head.
19.- Landslide.
20.- The chain.
21.- Big love.
Un poquito de pop guitarrero nacional de la mano de THE MARRIAGE, una banda surgida recientemente en Cádiz.
La verdad es que sé muy poco sobre ellos porque, como os decía antes, su vida es aún corta ya que nacen a finales del pasado 2011 alistándose de inmediato en la que afortunadamente parece ser de nuevo emergente escena del indie andaluz. Una corriente que alcanzó allá por los años 90 momentos mágicos de la mano de grupos como Los Planetas, Tarik y la fábrica de colores o Lagartija Nick y cuya estela siguen ahora con paso firme otras bandas como Niños Mutantes, Supersubmarina, Sr. Chinarro, Zahara, Lori Meyers o Los Hermanos Dalton.
Este E.P de largo título es hasta ahora su primer y único trabajo, pero me llama la atención lo limpias que suenan las canciones y lo bien ensambladas que están las melodías con esa voz femenina tan personal, muy en la línea que en su momento marcaran bandas míticas del "power pop" lideradas por féminas, como The Pretenders o Blondie.
Ya os digo que en mi opinión los cuatros temas merecen la pena, pero prestad especial atención al tercer corte, "Happy for a while", realmente magnífico y de estribillo altamente adictivo.
Ya tenía ganas, ya, de subir al BLOG algo de VAN MORRISON. Más aún ahora que ha publicado nuevo disco, pero ese cantar lo dejo para otro rato.
Recuerdo perfectamente cual fue la primera canción que escuché del bueno de Van, nacido George Ivan Morrison tal que un 31 de agosto de 1945 en Belfast. A finales de los 70 yo estaba muy enganchado a uno de esos programas radiofónicos que luego mutaron en míticos y que muchos de vosotros recordaréis, "DOMINÓ", que presentaba Gonzalo Garrido en las tardes de Radio España y tenía como sintonía un tema de Van Morrison del mismo título. Un programa de los que surten efecto en plan "magisterio musical" y que a mi me enseñó que pululaban por el mundo genios como Hendrix, Jim Morrison, Neil Young, los Beatles o los Stones.
Poco a poco comencé a bucear en la discografía del "león de Belfast", para mi uno de los cantautores de mayor talento de la música popular y, sin duda, uno de los más importantes y prolíficos de la música británica. Me pareció un tipo tan sofisticado como rudo, porque parece que la fama de tener mala leche se la ha ganado a pulso, pero sobre todo me llamó la atención lo introspectivas que podían llegar a resultar sus letras, la poderosa hondura emocional que lograban transmitir y esa mágica habilidad para amalgamar blues, soul, jazz, folklore celta, swing, country o incluso góspel con esa voz rota, tan fuerte y personal.
Siempre me han parecido sus discos de esos para escuchar en momentos especiales, de los de removerse entre las sábanas, de ratos intimistas en los que dar descanso a las emociones, de tardes otoñales hipnóticas al observar cómo llueve al otro lado del cristal.
Había pensado subir una recopilación de sus mejores temas, de las que tanto me gusta preparar aunque desgraciadamente tan de vez en cuando, pero por aquello de las tardes otoñales a las que me refería antes me quedo con una selección de sus mejores baladas ........ Terapia musical para mentes ávidas de sensaciones, para viajar al fondo de nuestros sueños ..... ya lo veréis, ya.
MIL RAMOS DE BESOS.
LISTA DE TEMAS
01.- Someone like you.
02.- Have I told you lately.
03.- Days like this.
04.- Did Ye get haled.
05.- Moondance.
06.- Crazy love.
07.- Stranded.
08.- And I stoned me.
09.- Whenever God shines his light.
10.- In the garden.
11.- Dweller on the threshold.
12.- Queen of the slipstream.
13.- Warm love.
14.- Wonderful remark.
15.- Celtic New Year.
16.- Tupelo honey.
17.- When will I ever learn to live in God.
18.- These are the days.
Turno hoy para otro de esos grupos que juegan en la liga "indie", por suerte cada vez más abiertos al público sin necesidad de prostituirse por un "quítame allá ese Nº1 en la lista de los 40" y afortunadamente alejados de la dictadura que imponen las pestilentes radiofórmulas.
TÓRTEL es el nombre del proyecto bajo el que se acurrucan las canciones del valenciano Jorge Pérez, curtido ya en proyectos anteriores y/o paralelos como CUIDADANO o MADERITA, que publicaron en 2010 un trabajo estupendo titulado "Vivir para creer" y que desde aquí os recomiendo.
En TÓRTEL juega también un papel fundamental Joaquín Pascual (miembro que fue de los SURFIN' BICHOS y de MERCROMINA) aportando una cálida riqueza en los arreglos y en la producción. La suya es una contribución tan importante que para muchos es un proyecto a medias.
Su primer trabajo como TÓRTEL, "Lugar nuevo", data de 2009 y fue realmente bien acogido por la crítica copando muchas de las listas "indie". De hecho uno de sus temas, "Rostro Pálido", estuvo entre los finalistas a mejor canción del año en los Premios de la Música Independiente.
Y ahora nace su segundo trabajo, "Entusiasmo", un disco en cierto modo intimista pero con una enorme carga vital que se intuye ya desde su portada, para mi un claro homenaje al pintor francés Henri Rousseau, uno de los mayores exponentes del arte naif. Una colección en definitiva de 10 canciones que son asombrosas por su sencillez e ironía, muy mediterráneas, con mucha guitarra acústica y poca instrumentación, lo que en muchos momentos las acerca a los terrenos del "folk".
En fin, a ver qué os parece.
MIL RAMOS DE BESOS.
LISTA DE TEMAS.
01.- Entonces sí.
02.- Los cantantes.
03.- El héroe del río.
04.- Las mejores intenciones.
05.- La guerra fría.
06.- Entusiasmo.
07.- Los tres mendigos.
08.- Los increíbles.
09.- Difunde la palabra.
10.- Féstivus.
Los 60 fueron años de una intensa revolución social a la que debemos agradecer, ente otras cosas, el profundo cambio en muchos de los usos y costumbres sociales que se producen a partir de entonces. Años de valores y de tendencias que chocan con lo establecido, con lo "políticamente correcto", una ofensiva en toda regla contra lo "predominante".
Fue una etapa en la que nada parecía imposible, en la que la música y las drogas mutaban en una suerte de alfombra voladora con la que alcanzar ese nuevo mundo con el que se soñaba y al que se aspiraba. De ahí la importancia que adquirieron los festivales musicales al aire libre que se celebraron por entonces, como el de Monterrey en 1967 o el de Woodstock dos años después.
El primero de ellos estuvo muy influenciado por unos BEATLES que se habían lanzado a los brazos del Maharishi Mahesh Yogi, a la meditación trascendental y a la psicodelia (su "All you need is love" fue adoptado como himno del "Flower power"). Pero también por la irrupción mundial de artistas como Hendrix, la sublime Janis Joplin, los Jefferson Airplane, Pink Floyd o la publicación del primer trabajo de THE DOORS, los protagonistas de este post.
THE DOORS. Una banda que trascendió el ámbito puramente musical para convertirse en icono, en uno de los grupos más fascinantes, revolucionarios e innovadores que ha dado la historia del ROCK. Ray Manzarek en los teclados, Robby Kriegger a la guitarra y John Densmore en la batería, agrupados los tres en torno a un Jim Morrison cuyos versos y canciones llenas de poesía y de mística encontraron así acomodo en este grupo que tomaba su nombre del libro de William Blake "Las puertas de la percepción" (The doors of perception).
Publicaron su primer disco en 1967 ("The Doors") al que siguieron "Strange Days" en ese mismo año, "Waiting for the Sun" en el 68, "The Soft Parade" en 1969, "Morrison Hotel" un año después y "L.A. Woman" en 1971. Todos entrelazados con potentes directos de marcado aire "teatral" aportado por un Jim Morrison de voz poderosa, vacilante, inquietante y arrolladora, pero cada vez más afectado por los excesos con las drogas y el alcohol.
Tras la publicación de su último trabajo, muy desgastado físicamente y cada vez más desequilibrado psíquica y emocionalmente, decidió darse un respiro y marcharse a París con su novia a escribir poesía. Un mes después, el 3 de julio de 1971, fue encontrado muerto en la bañera ........ y ahí nació el Mito, dando comienzo a su leyenda .....
LISTA DE TEMAS.
01.- Hello, I love you.
02.- Light my fire.
03.- People are strange.
04.- Love me two times.
05.- Riders on the storm.
06.- Break on through.
07.- Roadhouse Blues (en vivo).
08.- Touch me.
09.- L.A. Woman.
10.- Love her madly.
11.- The ghost song.
12.- The end.
El disco que aquí podéis escuchar se publicó originalmente en vinilo en 1980, pero esta es la edición en CD de 1996 que excluía el tema "Not to touch the Earth" y añadía los tres últimos.
Antonio Vega fue el protagonista de las PISTAS, en la versión "radiofónica" de este BLOG, tras el largo parón "vacacional" que abarcó julio y agosto. Siempre es agradable volver de la mano de los más grandes y Antonio, sin duda, lo es. Uno de los compositores fundamentales para entender el POP español, con mayúsculas.
Para los que aterrizáis de primeras en este BLOG, creo que no está de más recordar que su nacimiento es consecuencia lógica de la pequeña sección musical con la que colaboro en el programa de radio ESAMOR, en la cadena esRadio. Lo podéis escuchar por Internet en www.esradio.fm, de 0'30 h. a 2 de la madrugada y allí podéis ver también (los que residís en España) el dial por el que emiten en cada una de vuestras ciudades o escuchar las emisiones anteriores en su fonoteca ( http://fonoteca.esradio.fm/c.php?op=resultados&id_programa=4). Los que ya sois habituales en el BLOG o del programa, disculpad el inciso.
Estas fueron las letras que entonces acompañaron a los tres temas elegidos, incluidos todos ellos en este maravilloso recopilatorio de Antonio que os subo hoy para que lo disfrutéis del tirón:
1.- ANTONIO VEGA "El sitio de mi recreo"
Pocos instantes me resultan tan evocadores y reconfortantes como el que abarca una puesta de Sol en Zahara, al contemplarla tumbado junto a mi dueña desde alguna de sus playas.
Este verano me propuse disfrutarlas de otro modo, evitando la música de fondo de los locales cercanos y sin más sonido que el que emanaba del interior de mis auriculares. La naturaleza ponía en imágenes esa maravillosa mezcla de colores que arrastra el Sol en su caída al mar, yo las ganas de disfrutar y para la banda sonora, Antonio Vega. Un genio por cuyas composiciones siempre he sentido profunda admiración y una desequilibrada predisposición, detestando severamente a aquellos puretas y macarras de la moral que no saben ver más allá de sus devaneos con el lado oscuro. Un tipo de mirada huidiza reflejada en sus letras plenas de metáforas intimistas, de dilemas y de agonías. Siempre me maravilló el contraste entre el poder magnético y balsámico de sus textos y lo intenso y extremo de las experiencias vividas por Antonio antes de parirlos, para bien o para mal.
Toda una letanía de cimas creativas en la historia de nuestra música, como este "Sitio de mi recreo" con el que os dejo y me abandono a lo absorto .......
2.- ANTONIO VEGA "Esperando nada"
Siempre he tenido la certeza de que uno de los grandes logros de Antonio Vega fue sobrevivir al enorme éxito de Nacha Pop, auténtico referente de la "Movida madrileña" y del pop español y grupo del que Antonio era ineludiblemente piedra angular. De hecho, de su autoría es el tema que para mi se constituyó en emblema y estandarte de la Movida, aquella maravillosa "Chica de ayer" que compuso incluso antes de alumbrar la banda, mientras realizaba el servicio militar en Valencia. Aquí hago un inciso "literario" para recomendaros, a los que como yo sois herederos de aquel movimiento, el libro de José Luis Gallero "Sólo se vive una vez. Esplendor y ruina de la Movida madrileña", editado en 1991 por la editorial Ardora.
Bueno, seguimos ..... El grupo se separa en 1988, en el que para mi es su mejor momento, tras dos conciertos en la sala Jácara de Madrid y fruto de las tensiones entre Antonio y su primo Nacho. Nuestro protagonista de esta semana da inicio entonces a su excepcional carrera en solitario con un trabajo titulado "No me iré mañana", en el que se incluye la canción de esta madrugada. Un disco que, en mi modesta opinión, reflejaba quien ponía realmente la magia y la creatividad en el grupo y que además demuestra que no todo eran melancólicas sombras en la música del maestro. También supo regalarnos píldoras de pop fresco y alegre con las que elevarse hasta el altar de las deidades de nuestro pop, como las que contiene este "Esperando nada".
"Y pasó tanto tiempo que llegué a ver sombras en color,
y creció a mi lado, como un árbol, toda una ilusión ........"
3.- ANTONIO VEGA "Tesoros" o "Se dejaba llevar por ti"
Vuelvo esta madrugada al lado más onírico e intimista del protagonista de la banda sonora que ha acompañado las puestas de Sol de éste mi último y maravilloso verano en la costa gaditana. Al Antonio Vega de metáforas en espiral, de sinceridad crepuscular y magnética y de una intuición de las que no se dejan transferir. Banda sonora, sí, pero acompañada también de letras como esta, de la poetisa andaluza Mercedes de Velilla
Brillante sol que hacia el ocaso ruedas ¡ay! no te mire aparecer mañana, si no ha de ver amanecer contigo mi pobre corazón una esperanza.
Cubren tu frente en púrpura teñidas las nubes a tu rayo sonrosadas, en ese cielo azul, como los ojos, que con sus rayos al mirar me matan.
Guarda ya de tu lumbre los fulgores; que está para tu luz ciega mi alma, porque el brillante sol que a mí me alumbra es la radiante luz de una mirada.
Y si apareces tú dando amoroso a los seres calor, vida a las plantas, vida, calor, consuelo y alegría, si aparece mi sol, en mí derrama.
Mas así como tú dejas al irte los seres sin calor, las flores lacias, así también mi sol, cuando se aleja, ¡ay! me deja sin vida y desolada
Recuerdos de tardes de amor en la playa y emociones a flor de piel, que me impiden elegir entre las dos canciones que te envío de madrugada. Házlo tú por mi. Sé buena, Ayanta.
En mi afán por conseguir en este BLOG la convivencia y el equilibrio entre los grupos más noveles y los sonidos de siempre, hoy vuelvo a navegar por aguas "Souleras". Y puesto que además las tres entradas anteriores dedicadas a este estilo han correspondido a féminas (Adele, Amy y Aretha) el protagonista de esta segunda entrega post-vacacional es el talento más influyente, junto a Ray Charles y Jackie Wilson, en la historia del Soul moderno ....... el genial SAM COOKE.
Sam Cooke o "Mr. Soul", un tipo revolucionario icono y engranaje fundamental en la maquinaria de la música negra, sin el que ésta posiblemente no existiría tal y como la conocemos. A mi personalmente su música siempre me ha parecido tocada por una varita mágica, como si un ángel le hubiese regalado a partes iguales carisma, simpatía y una voz única. Pero es que además fue un estupendo compositor y su innata capacidad para imprimir un toque personal en todo lo que creaba, bebiendo de sus raíces góspel y reinventando el género, nos ha legado algunas de las canciones más maravillosas jamás creadas como las que se recogen en este Grandes Éxitos. Ni están todas las que son ni son todas las que están, como ocurre habitualmente con los discos recopilatorios, pero sí creo que la muestra es muy representativa.
En 1964, cuando Sam estaba en la cima de su carrera y en plena cumbre creativa, murió acribillado a balazos por la dueña de un motel de baja estofa en Los Ángeles. Según la teoría oficial y la versión de esta mujer, al intentar defender a una joven cantante (Elisa Boyer) de la "excesiva fogosidad sexual" de Cooke. Para muchos la realidad tiene mucho más que ver con su tremenda influencia en la lucha por los derechos civiles de la comunidad afroamericana ..... Ya se sabe cómo manejan los americanos estos asuntos .....
Bueno, en fin, que os dejo con esta maravillosa y aterciopelada demostración de cómo se puede incitar al baile con una mezcla de talento y éxito comercial, sin necesidad de sacrificar las cualidades vocales o musicales del artista.
Con ustedes, Sam Cooke ........
LISTA DE TEMAS.
01.- You send me.
02.- Only sixteen.
03.- Everybody loves to Cha Cha Cha.
04.- For sentimental reasons.
05.- Wonderful world.
06.- Summertime.
07.- Chain gang.
08.- Cupid.
09.- Twistin' the night away.
10.- Sad moon.
11.- Having a party.
12.- Bring it in home to me.
Fin a este momentáneo "cerrado por vacaciones" que me ha tenido alejado durante casi un mes del blog. Y ahora que el verano comienza a dar sus últimos coletazos, intuyo que no viene nada mal escuchar este EP fresquito, popero cercano al indie, que llamó mucho mi atención allá por 2010 y pertenece a un dúo que se hacen llamar BIQUINI.
Un biquini de dos piezas que forman Alfredo, como compositor y productor, junto a María Garrido que compagina su faceta como vocalista con la de profesora en la Universidad Pontificia de Salamanca ....... ¡Ahí es "ná"!
Ahora que al abrir las ventanas el aire nos trae ya aromas de septiembre, de otoño, de Cole y de mochilas, de mantita, café calentito y domingos lluviosos supongo que no está de más que intentemos alargar el veranillo con un disco como éste, repleto de canciones optimistas de estructura sencilla, ingenuas si cabe y con arreglos clásicos y de cierto regusto "retro". Canciones que invitan al buen rollito y buscan simplemente hacer disfrutar, sin pretensiones elitistas. Eso sí, si os tomáis la molestia de bucear un poquito en temas como el que abre el trabajo ("Lo mejor de mi") veréis cómo la sonrisa que se dibuja en la boca puede quebrar en un sabor amargo en el paladar al escuchar su letra.
Supe de ellos en 2009 cuando se consiguieron colar entre los 15 finalistas españoles para el Festival de Eurovisión que creo recordar se celebró en Moscú, aunque tal vez su falta de experiencia en el directo (María reconoció que hasta entonces sólo habían hecho un concierto) les jugó una mala pasada en la gala televisiva y les restó muchas posibilidades. Lástima.
Espero volver a saber de ellos pronto. Os mantendré al tanto.
LISTA DE TEMAS.
01.- Lo mejor de mi.
02.- Todos los sapos guapos.
03.- Aquella canción.
04.- De ida y vuelta.
05.- Desde el balneario.
06.- Mis problemas.
Nueva vuelta de tuerca para retomar la senda de los clásicos y lo hago en esta ocasión de la mano de una obra antológica creada por una banda mítica, PINK FLOYD.
Este "Wish you were here", grabado en los legendarios estudios Abbey Road entre enero y julio de 1975 y publicado un par de meses más tarde, es el noveno álbum de estudio de la banda y fue el primero de ellos en caer en mis manos cuando yo no debía tener más de doce o trece primaveras. Todo un descubrimiento en época de descubrimientos .......
La verdad es que los chicos de Pink Floyd (David Gilmour a la voz y guitarra, Roger Waters a la voz, bajo y guitarra, Richard Wright a los teclados y Nick Manson a la batería, contando en este disco además con las magníficas colaboraciones de Dick Parry y Roy Harper) tenían delante todo un reto y el listón altísimo tras su extraordinario anterior trabajo de 1973, "The Dark side of the Moon". Un disco que se mantiene como el tercero más vendido de la historia, con más de 50 millones de copias, cifra en la que es únicamente superado por el "Back in black" de los AC/DC y el "Thriller" de Michael Jackson. Pero ellos no se arrugaron y crearon este maravilloso viaje sonoro a nuevas dimensiones musicales, un sueño hipnótico del que no apetece despertar, la cumbre del rock sinfónico.
Para muchos, un disco conceptual. Para mi no, porque esta obra épica navega a lo largo y ancho de sus cinco cortes por temas tan variados como el sentido homenaje al anterior miembro de la banda Syd Barrett, que tuvo que abandonar el grupo lastrado por sus problemas con las drogas y la enfermedad mental que padecía. Las letras están también impregnadas de ácida crítica y de un ataque frontal contra el "establishment" de la industria discográfica, toda una declaración de principios. Pero este "Wish you were here" es sobre todo una producción que ha reflejado como pocas al ser humano. A la irracionalidad que muchas veces marca nuestras dificiles decisiones, a lo absurdo de las evidencias. A la nostalgia por los viejos tiempos, donde todo era mejor y más sencillo, que con frecuencia se transmuta en hastío y melancolía. A la ambiguedad de las personas y de la vida, cuando nos obliga a decidir entre lo bueno y lo malo, para terminar por devolvernos a hostias los mismos miedos .... En fin ......
Para los que ya conocéis esta obra maestra, no hace falta añadir nada más. A los que no, os invito a descubrir ese "Shine on you crazy diamond" que abre y cierra el disco con los gloriosos pasajes instrumentales que lo adornan. O las dos joyas que son "Welcome to the machine" o "Have a cigar" y sobre todo ese remanso de paz y nostalgia que es "Wish you were here", con el sonido lejano en su inicio del punteo de guitarra que se escucha en una radio. Una de las mejores canciones de la historia del ROCK, escrito en mayúsculas.
LISTA DE TEMAS.
01.- Shine on you crazy diamond (Part One)
02.- Welcome to the machine.
03.- Have a cigar.
04.- Wish you were here.
05.- Shine on you crazy diamond (Part Two)
Giro copernicano en el BLOG con este post, pasando del Soul poderoso de la gran Aretha al que posiblemente sea uno de los grupos más representativos de lo que se ha dado en llamar "Tango electrónico" o "electrotango".
BAJOFONDO es una agrupación de músicos argentinos y uruguayos, claro ejemplo de ese hermanamiento que muchas veces provoca el Río de la Plata entre estos dos países, frontera líquida que en este caso convierte en una a estas dos gotas de agua del mismo río.
La idea de crear lo que en sus comienzos se conoció como BAJO FONDO TANGO CLUB surge de Juan Campodónico (músico, compositor y DJ uruguayo) y de Gustavo Santaolalla, músico argentino, productor musical clave en la explosión del rock latino en los años 90 (Molotov, Café Tacuba, El Peyote Asesino, Julieta Venegas, Caifanes o Jorge Drexler, por poner algunos ejemplos) y reconocidísimo compositor de bandas sonoras como las que adornaban "Biutiful", "My Blueberry nights", "Amores perros", "21 gramos", "Diarios de motocicleta", "Babel" o "Brokeback mountain", películas estas dos últimas por las que obtuvo el Oscar a la Mejor Banda Sonora.
El punto de partida fue un reencuentro de ambos en Madrid, donde Campodónico estaba produciendo un disco para Jorge Drexler, en el que aflora la necesidad de transmitir esa realidad rioplatense a la que aludí antes, contribuyendo desde la vanguardia a la renovación del Tango, pero de un modo ferreamente fiel a sus raíces sin perder la esencia arrabalera y, sobre todo, sensual.
Presentaron su primer trabajo en 2002, pero fue en 2007 cuando les escuché por primera vez en este "Mar Dulce" y rápidamente me llamó la atención el uso habitual de "sampleos" (extraer un fragmento de sonido previamente grabado para añadirlo después a una composición nueva) con apariciones de clásicos como Alfredo Zitarrosa o Lágrima Ríos.
El disco cuenta además con colaboraciones de altura como la de Elvis Costello o con las de la Mala Rodríguez, Nelly Furtado, Fernando Santullo o Juan Subirá pero yo sobre todo os recomendaría las dos primeras canciones que escuché del disco. La que hace el número 5 (Pa' bailar), con la aparición estelar del bandoneonista japonés Ryota Komatsu y la que hace el número 8 (El mareo), con la voz de Gustavo Cerati uno de los músicos más reconocidos del rock iberoamericano, guitarra y voz solista de los geniales SODA STEREO.
Esta es la lista de temas.
01.- Grand guignol.
02.- Cristal.
03.- Ya no duele (con Santullo).
04.- Hoy (con Juan Subirá).
05.- Pa' bailar (con Ryota Komatsu).
06.- Pulmón.
07.- Fairly right (con Elvis Costello).
08.- El mareo (con Gustavo Cerati).
09.- El andén (con Mala Rodríguez).
10.- Infiltrado.
11.- Borges y Paraguay.
12.- Tuve Sol.
13.- No pregunto cuantos son.
14.- Slippery sidewalks (con Nelly Furtado).
15.- Zitarrosa.
16.- Chiquilines (con Lágrima Ríos).
Con ellos os dejo y espero vuestros comentarios.
MIL RAMOS DE BESOS
Nunca he sido muy amigo de las listas musicales tipo "Lo mejor de .....". Siempre he dudado razonablemente de su objetividad y de que en realidad no respondan a intereses o gustos personales de aquellos que las elaboran. Pero en este caso, para continuar con la linea estilosa marcada por el post anterior dedicado a Amy Winehouse, me viene que ni pintada la lista publicada recientemente por la revista "Rolling Stone" de los 100 mejores discos de la historia firmados por una mujer.
Por no extenderme demasiado me quedaré con el podio, ahora que estamos además atiborrados por estas fechas de "espíritu olímpico".
En el número 3 sitúan el excelente "Dusty in Memphis", de Dusty Springfield. En el número 2, el delicioso "Blue" de Joni Mitchell. Y en lo más alto del cajón este "I never loved a man the way I love you", la indiscutible obra maestra de Lady Soul, de la cantante viva más grande de todos los tiempos: Aretha Franklin. Título heredado en mi opinión tras las desapariciones de Ella Fitzgerald y de Billie Holiday.
Nadie ha cantado nunca con más alma ni con tanta intensidad como lo hizo Aretha en este disco (el noveno de su carrera) y cuando se trata de transmitir con una canción, pocas han llegado a su altura. Toda una colección de grandes clásicos del Soul, que se han convertido con el paso de los años en las interpretaciones más brillantes, apasionadas y emotivas de esta auténtica diva, todo un regalo celestial.
Esto es algo que en el disco queda claro ya desde el primer tema, la maravillosa versión del "Respect" de Otis Redding, todo un canto a la dignidad y al respeto y auténtico estandarte de la lucha por los derechos civiles y la igualdad de las mujeres.
En su edición original de 1967 se incluían además otros diez temas, que podemos considerar míticos en la historia del Soul, como "Drown in my own tears", "Don't let me lose this dream", la versión del "Good times" de Sam Cooke o la canción que da título al álbum, cargada de una tremenda sexualidad.
Esta es la lista de canciones.
01.- Respect.
02.- Drown in my own tears.
03.- I never loved a man (the way I love you).
04.- Soul serenade.
05.- Don't let me lose this dream.
06.- Baby, Baby, Baby.
07.- Dr. Feelgood (love is a serious buniness).
08.- Good times.
09.- Do right woman - do right man.
10.- Save me.
11.- A change is gonna come.
12.- Respect (stereo version).
13.- I never loved a man the way I love you (stereo version)
14.- Do right woman - do right man (stereo version)
Las tres últimas corresponden a una reedición del disco posterior a la original.
Espero que lo disfrutéis.
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